En 2026 se realizarán conciertos, tributos sinfónicos y actividades culturales en distintos países para conmemorar los 10 años del fallecimiento de Juan Gabriel, cuyo legado musical mantiene una presencia masiva en plataformas digitales y en la memoria colectiva.
A 10 años de la muerte de Juan Gabriel, instituciones culturales, familiares y fanáticos preparan una serie de homenajes a lo largo de 2026 para celebrar la vida y obra del cantautor mexicano, considerado una de las figuras más influyentes de la música en América Latina.
Entre los primeros tributos destaca el Homenaje Sinfónico, Recordando a Juan Gabriel, programado para el 21 de febrero en Guatemala, así como Una noche más con el Divo, que se realizará el 9 de mayo en Monterrey, con la participación de músicos y mariachis que formaron parte de su trayectoria artística. Hacia el 28 de agosto, fecha de su fallecimiento, se prevén actos especiales impulsados por diversas instituciones culturales.
El impacto de El Divo de Juárez permanece vigente en el entorno digital. En Spotify suma 15.9 millones de oyentes mensuales, mientras que en YouTube acumula más de 9 mil millones de reproducciones y 7.35 millones de suscriptores, cifras que reflejan la permanencia de canciones como Querida, Abrázame muy fuerte y Hasta que te conocí entre nuevas generaciones.
Juan Gabriel falleció el 28 de agosto de 2016 en Santa Mónica, California, a causa de un infarto agudo de miocardio. Días después, más de 700 mil personas acudieron al Palacio de Bellas Artes para despedirlo en un homenaje que marcó un momento histórico para la cultura mexicana.
Para este décimo aniversario luctuoso, Jean Gabriel Aguilera, hijo del artista, adelantó que se prepara “algo increíble”, mientras continúan actividades como misas conmemorativas, festivales y la visita al museo dedicado al cantante en Ciudad Juárez, antigua casa del intérprete.
A ello se suma la reciente difusión de la serie documental Juan Gabriel: Debo, puedo y quiero, disponible en Netflix, así como el álbum Eterno, que reúne grabaciones inéditas con nuevos arreglos. Con un legado de más de mil 800 canciones, traducidas a diversos idiomas, Juan Gabriel mantiene su lugar como uno de los artistas más queridos, escuchados y recordados de la música mexicana.
Tras casi cinco décadas de influencia cultural, MTV Music Television apagó sus señales musicales, lo que marca el cierre definitivo de una etapa clave para la industria y la cultura pop.
Los tiempos cambian y MTV Music Television lo confirmó con una decisión histórica: el cierre de sus señales musicales en distintas partes del mundo. Canales emblemáticos como MTV Music, MTV 80s, MTV 90s, Club MTV y MTV Live dejaron de transmitir, cerrando un ciclo de casi cinco décadas en las que los videoclips definieron la cultura pop global.
En México, este proceso quedó sellado el 13 de diciembre de 2025, cuando Paramount Global confirmó el fin de los principales canales musicales de MTV en el país. Con ello, desapareció oficialmente la señal entendida como música continua en televisión, una fórmula que marcó a generaciones enteras.
MTV nació el 1 de agosto de 1981 en EUA, revolucionando la industria al convertirse en el primer canal dedicado las 24 horas a la música. El estreno con “Video Killed the Radio Star” de The Buggles simbolizó el poder de la imagen y anticipó el impacto cultural que vendría después.
Durante los años 80 y principios de los 90, MTV impulsó carreras y transformó la forma de consumir música, consolidando a artistas como Michael Jackson, Madonna, Prince y Duran Duran como íconos globales. Sin embargo, a partir de mediados de los 90, la programación comenzó a cambiar con la llegada de realities y contenidos de entretenimiento.
En los 2000, los videoclips quedaron relegados a horarios marginales y plataformas alternas, mientras YouTube y el streaming absorbieron el consumo musical. Así, el cierre no ocurrió con un apagón repentino, sino como el desenlace de una transición inevitable.
A 44 años de su nacimiento, MTV sigue existiendo como marca, pero la era de Music Television quedó cerrada como uno de los capítulos más influyentes —y nostálgicos— de la historia del entretenimiento.
El 2025 nos dejó una variedad de música marcada por artistas que arriesgan, reinventan sonidos y profundizan en su creatividad. Desde hip hop y pop experimental hasta rock y metal, este año nos dejó álbumes en los que cada músico logró crear su propio universo sonoro. Aquí un recuento de los discos que definieron el pulso del año.
10. Tyler, The Creator – Don’t Tap the Glass Con esta entrega Tyler vuelve a priorizar la estructuras y timbres, entregando un álbum lúdico pero meticuloso y con precisión. Cada pista revela su obsesión por el detalle y un diseño sonoro que recompensa al escucha. Uno de los mejores discos en la carrera del “creador”.
9. FKA twigs – EUSEXUA EUSEXUA es un viaje sensorial donde las bases electrónicas y la voz experimentan hasta fundirse para lograr una experiencia corporal y futurista. La producción es arriesgada, al estar llena de texturas y ritmos inusuales que desafían a la música popular.
8. Miley Cyrus – Something Beautiful Cuando no es presionada por las disqueras o el público,Miley Cyrus entrega proyectos arriesgados que salen fuera de lo común, en este caso nos dio un pop más reflexivo y pulido, con arreglos que brindan algo nuevo con cada escucha, mostrando una artista cómoda con su evolución y salirse de su zona de comfort.
7. Clipse – Let God Sort Em Out El regreso de este dúo de hip hop, conformado por Pusha T y Malice, destaca por sus beats sobrios con letras afiladas, tal como nos tiene acostumbrados Pusha. La producción destaca, demostrando que esta dupla aún puede sorprendernos en vez de solo vendernos nostalgia.
6. Kali Uchis – Sincerely Kali Uchis nos ha entregado quizá el mejor trabajo de su carrera hasta ahora con una apuesta por la elegancia: arreglos sedosos, grooves llamativos y una producción que regresa al soul y el R&B que la caracterizó al inicio de su carrera. Un álbum cohesivo que refuerza su identidad como autora y productora, y por medio de las letras explora su nueva etapa de maternidad.
5. Hayley Williams – Ego Death at a Bachelorette Party La vocalista de Paramore nos entregó un álbum vulnerable y honesto, donde la experimentación rítmica encaja dentro de melodías rock-pop poco convencionales. La producción destaca al entregar un sonido más cercano y artesanal, resaltando imperfecciones que suman honestidad a letras confesionales, sintiéndose como una cálida charla con un viejo amigo por una tarde otoñal.
4. AKRIILA – epistolares+ Cuando los artistas optan por sacar una versión ampliada, de lujo, completa, extendida, etc. de sus álbumes solo terminan metiendo pistas de relleno con el afán de vender más. Pero este no es el caso. Al contrario, los temas agregados a la versión ampliada del debut de la cantante chilena hacen ver a la versión original como un proyecto recortado. Un disco que en todo momento se siente honesto y destaca por su enfoque conceptual: canciones que funcionan como cartas sonoras a diferentes personas en diferentes momentos de la vida. La producción mezcla pop, electrónica, glitch, dando como resultado atmósferas variadas y una cercanía emocional.
3. Deafheaven – Lonely People With Power Deafheaven nos ha bendecido con una obra maestra del metal, la cual reafirma su capacidad para mezclar black metal y shoegaze con una ambición pocas veces vista en el mainstream del metal moderno. La producción es una megalomanía detallada, con crescendos que golpean, letras que exploran el aislamiento contemporáneo y difícilmente pueden dejar indiferente al escucha. Cuando uno pensaba que, después de su (algo decepcionante) último álbum hace un par de años, la banda ya no tenía mucho que ofrecer, regresaron para demostrar que aún saben hacer bien lo suyo.
2. Lorde – Virgin Lorde nos entregó este año un álbum con un enfoque intimista y honesto de manera cruda, adornado con texturas minimalistas y letras sin filtros. Las dinámicas de este disco reflejan la madurez artística que ha alcanzado la neozelandesa, aunque con altibajos bastante marcados a lo largo del proyecto. Una entrega mucho mejor desarrollada que su anterior disco, pero sin igualar a los primeros.
1. Wet Leg – moisturizer El dúo británico, conformado por Rhian Teasdale y Hester Chambers, está consolidando su carrera con un segundo álbum que destaca por una excelente producción, riffs de guitarras estruendosos y un humor que refleja seguridad. Las canciones están trabajadas, lo que las aleja de su álbum debut, y marcan el camino que deben seguir. No es un álbum vanguardista o experimental, pero sin duda alguna posee la energía, ambición y honestidad que el rock necesita hoy en día.
Un nuevo estudio de Scientific Records reveló que las letras de las canciones más populares en EUA —desde 1973 hasta 2023— muestran cada vez más un reflejo de estrés, negatividad y simplicidad. Sin embargo, tras grandes crisis como 9/11 y la pandemia de COVID-19, el público pareció buscar música más positiva y menos estresante, como una manera de “escape emocional”.
La música cuenta historias, pero también cuenta algo más profundo: cómo se siente una sociedad en cada época, tal como reveló un extenso análisis publicado en Scientific Reports, donde investigadores examinaron más de 20 mil letras de canciones que llegaron al Top 100 del listado Billboard en EUA durante los últimos cincuenta años.
El hallazgo general es claro: las letras se han vuelto más negativas, más estresantes y más simples con el paso del tiempo. Lo que parecía una intuición cultural se confirma ahora con datos duros.
Pero el estudio también muestra un fenómeno sorprendente: en momentos de crisis nacional la tendencia se frena. Por ejemplo, tras los atentados del 11 de septiembre y, de forma más marcada, con el inicio de la pandemia de COVID-19, los oyentes se inclinaron por canciones menos estresantes, más positivas y, en algunos periodos, con mayor complejidad lírica. Lo que puede sugerir que el público se toma “un respiro emocional colectivo”.
Tres tendencias claras en cinco décadas
Los investigadores analizaron el contenido emocional con herramientas de lenguaje natural y, de acuerdo con los resultados, desde 1973:
Creció el uso de lenguaje asociado al estrés
Disminuyó la positividad en las letras
La complejidad estructural cayó (las composiciones se hicieron más simples y repetitivas)
Este patrón coincide con otras señales culturales: el aumento de ansiedad y depresión reportado en estudios de salud mental, el tono más sombrío de los medios y hasta el declive en ciertos indicadores cognitivos.
Las crisis cambian el oído colectivo
Cuando los investigadores se concentraron en lo que ocurrió alrededor de eventos traumáticos —9/11 y la llegada del COVID-19—, esperaban encontrar un incremento pronunciado de estrés y negatividad en la música más escuchada, pero dieron con el resultado contrario.
Tras el 9/11 hubo indicios tenues, pero el cambio más fuerte llegó con la pandemia: los oyentes buscaron letras más positivas y menos estresantes. En plena incertidumbre global, las listas de popularidad reflejaron un intento casi instintivo de compensar el ánimo social.
Los autores interpretaron esto como una forma de regulación emocional colectiva, similar a lo que describe la Mood Management Theory: ante el malestar, la gente opta por música que alivie, no que profundice el sentimiento.
La economía no influye tanto como se creía
Un elemento adicional del estudio fue comparar las variaciones anuales en las letras con el crecimiento del ingreso familiar en EUA. Aunque podría pensarse que una economía robusta reduce el estrés cultural, no hubo una relación significativa entre ambas variables.
2016: un giro inesperado
Entre tantos datos, hubo una sorpresa: la complejidad lírica parece haber repuntado durante la presidencia de Donald Trump, en contraste con el periodo previo. Aunque los autores insisten en que no se trata de una relación causal, sí es un punto que invita a investigaciones futuras sobre cómo el ámbito político moldea la cultura pop.
Música: termómetro emocional
En conjunto, el estudio ofrece una mirada a la relación entre cultura popular y estados emocionales colectivos. Las letras de las canciones que dominan la radio, las plataformas de streaming y las redes sociales no solo entretienen: también revelan cómo se siente cada generación.
La legendaria banda System Of A Down regresará a México el 27 de mayo de 2026, al Estadio GNP Seguros, acompañada por la banda británica IDLES.
Tras el éxito de su gira por estadios en Norteamérica y la venta de 500 mil boletos en América Latina a principios de 2025, System Of A Down confirma su regreso a la Ciudad de México, con una próxima presentación en el Estadio GNP Seguros el 27 de mayo de 2026. La banda estará acompañada por el grupo británico IDLES, garantizando un espectáculo enérgico y cautivador.
La preventa para fans inicia el 10 de diciembre a las 10 a.m. hora local, la preventa Banamex será el 15 de diciembre, y la venta general se abrirá el 16 de diciembre a través de Ticketmaster o en la taquilla del inmueble.
System Of A Down, formada en Los Ángeles, ha vendido más de 42 millones de discos en todo el mundo, ha ganado un GRAMMY, y se mantiene como una de las bandas de rock más influyentes del siglo XXI, con más de 24 millones de oyentes mensuales en Spotify. Está integrada por Daron Malakian (guitarra y voz), Serj Tankian (voz y teclados), Shavo Odadjian (bajo) y John Dolmayan (batería).
IDLES, originarios de Bristol, Reino Unido, y activos desde 2009, son reconocidos como una de las bandas de rock más destacadas de la última década. Su más reciente álbum, TANGK, es considerado por ellos mismos como su obra más ambiciosa hasta la fecha.
Lauryn Hill irrumpió en el sorteo del Mundial 2026 con una actuación poderosa, emotiva y poco habitual en eventos institucionales. La rapera brilló al presentarse con su hijo en el Kennedy Center de Washington D.C., donde transformó un protocolo deportivo en un acontecimiento cultural.
La presencia de Lauryn Hill en el Sorteo Final del Mundial 2026 sorprendió al público del evento. La artista, que rara vez aparece en ceremonias de corte institucional, acaparó reflectores desde el primer momento en que pisó el escenario para recibir a su banda, un gesto que ya anticipaba que algo distinto estaba por venir.
La ceremonia, realizada en el Kennedy Center, había mezclado música y protocolo durante toda la tarde, pero nada provocó tanta atención como el anuncio de la rapera. En un ambiente de luces, cámaras y tensiones previas al acomodo de grupos mundialistas, Hill irrumpió con su sello: profesionalidad, poder y absoluto dominio del escenario.
La emoción escaló cuando Miss Lauryn Hill invitó a su hijo al escenario, un gesto que sorprendió incluso a quienes siguen de cerca su trayectoria, pues lo presentó como un gran fan del fútbol, y juntos interpretaron fragmentos de sus canciones, provocando una respuesta cálida tanto en el recinto como en redes sociales.
La actuación no fue extensa, pero los pocos minutos bastaron para recordarnos por qué su obra —desde “The Miseducation of Lauryn Hill” hasta “The Score” con The Fugees— continúan como una referencia para la música urbana, el soul y el R&B. En un evento donde la FIFA buscaba mezclar espectáculo y diplomacia, Hill aportó autenticidad, cualidad que escasea en ceremonias de este corte.
Su presencia permitió que el sorteo no solo quedara marcado por decisiones futbolísticas, sino por una muestra de arte que reafirmó el impacto internacional de la cantante oriunda de Nueva Jersey, una figura que conserva su aura incluso en apariciones esporádicas en escenarios globales.
En un evento dominado por discursos oficiales, patrocinadores y cámaras, la “mal educada” Lauryn Hill logró lo que muy pocos artistas consiguen en espacios tan rígidos: convertir un trámite deportivo en un acontecimiento cultural.
Elton John confirmó que perdió la visión del ojo derecho y que el izquierdo también está comprometido. La infección ocular que sufrió hace 15 meses transformó su rutina, afectó su carrera y modificó profundamente su vida familiar.
Elton John atraviesa uno de los momentos más complejos de su vida. De acuerdo con declaraciones publicadas por Variety y retomadas por People, el músico británico reveló que quedó completamente ciego del ojo derecho, mientras que el izquierdo también presenta un deterioro severo. El origen fue una infección ocular sufrida en 2024, que terminó por alterar su cotidianidad, su trabajo y su rol como padre.
Durante los últimos 15 meses, la pérdida de visión lo obligó a reorganizar su mundo: ya no puede leer, ver a sus hijos jugar deportes ni identificar rostros con claridad. En una entrevista con The Times, confesó el impacto emocional de este cambio abrupto: lo angustiante que ha sido no poder participar de actividades básicas y lo difícil que ha sido adaptarse.
En medio de este proceso, el sostén emocional de su esposo David Furnish, sus hijos y sus amigos más cercanos ha sido fundamental. Paul McCartney suele llamarlo por FaceTime, mientras que Keith Richards le envía correos de aliento. Pequeños gestos que, en palabras del propio Elton, “le alegran el día”.
A pesar de la incertidumbre, mantiene la esperanza en que la ciencia pueda ayudarlo eventualmente. Hasta entonces, afirma que debe ser paciente, fuerte y consciente de que aún conserva lo más valioso: su familia, su círculo íntimo y la capacidad —aunque parcial— de ver.
Rosalía anunció que Ciudad de México, Guadalajara y Monterrey formarán parte de su gira ‘LUX’ en agosto de 2026. Serán sus siguientes conciertos en nuestro país tras su histórica presentación en el Zócalo en 2023.
Rosalía confirmó que su nueva gira LUX, donde presentará su álbum del mismo nombre, incluirá tres conciertos en México, noticia que sus seguidores esperaban desde que la cantante adelantó sus planes en un mensaje de Spotify Wrapped. En el video, agradeció a sus fans y dijo que tenía “muchísimas ganas” de reencontrarse con ellos.
El 4 de diciembre, la española compartió un clip en Spotify donde dio a conocer la existencia del tour, aunque en ese momento no detalló fechas ni ciudades. La expectativa creció hasta que finalmente reveló la ruta completa.
Las presentaciones en México serán las siguientes:
Guadalajara, Arena VFG: 15 de agosto de 2026
Monterrey, Arena Monterrey: 19 de agosto de 2026
CDMX, Palacio de los Deportes: 24 y 26 de agosto de 2026
Esta será la primera visita de Rosalía al país desde el 28 de abril de 2023, cuando ofreció un concierto gratuito en el Zócalo capitalino como cierre de Motomami World Tour en nuestro continente, donde miles de asistentes corearon sus éxitos y despidieron una de las etapas más influyentes de su carrera.
Los boletos estarán disponibles a través de Ticketmaster México:
La estrella británica-libanesa Dua Lipa arrancó el paso de su gira “Radical Optimism Tour” en México interpretando uno de los clásicos más emblemáticos de nuestro país, lo que generó gran entusiasmo entre sus fanáticos y resaltó su conexión con el público latino.
Ayer, 1 de diciembre, Dua Lipa encendió el escenario del Estadio GNP Seguros con una interpretación muy especial de “Bésame Mucho”, tema compuesto por Consuelo Velázquez y considerado uno de los más icónicos de la música mexicana. La cantante británica, que se encuentra de gira por Latinoamérica como parte de su “Radical Optimism Tour”, sorprendió a sus fanáticos al incluir este clásico en su repertorio.
Desde la tarde, seguidores compartieron videos de las pruebas de sonido, confirmando que la canción sería parte del show. Finalmente, la noche del concierto, Dua Lipa hizo vibrar a miles de asistentes con su versión, demostrando su dominio del español y su habilidad para conectar con públicos de diferentes países por medio de la música.
Durante su gira, la cantante ha interpretado canciones representativas de cada país, incluyendo temas populares de Argentina, Perú, Colombia, Chile y Brasil, demostrando así ser una de las artistas pop más versátiles de la actualidad.
El repertoriode la artista incluyó éxitos como Training Season, Break My Heart, Levitating, Physical, Hallucinate, New Rules y cerró con broche de oro con su versión de Bésame Mucho.
La cantante se presentará también el 2 y 5 de diciembre en el mismo recinto, dejando abierta la pregunta sobre qué temas mexicanos versionará.
A 15 años de su publicación, My Beautiful Dark Twisted Fantasy se ha convertido en más que un álbum: es el momento en que Kanye West reconstruyó su carrera, redefinió el estándar creativo del hip hop y legó una obra atemporal.
Hablar de My Beautiful Dark Twisted Fantasy es hablar del momento donde el hip hop, la cultura pop y la ambición artística chocaron para producir un fenómeno irrepetible. El 22 de noviembre de 2010, el rapero oriundo de Chicago, Kanye West, no solo publicó su quinto álbum de estudio: marcó un punto y aparte en lo que podía ser un álbum del género. Una ópera hip hop con tonos barrocos, precisión quirúrgica y grados obsesivos de perfección.
Aquella historia ya es conocida, pero cada aniversario la hace brillar distinto: Kanye, aislado en Hawái, retirado del ruido tras el incidente de los premios VMAs de 2009, decidió comenzar de cero. Sin cámaras, sin alfombra roja, sin micrófonos abiertos. Solo un estudio iluminado a cualquier hora del día, productores rotando como si se tratara de una residencia artística, y un líder que escribió —por primera vez en su carrera— cada verso a mano buscando una sola cosa: perfección. El resultado podía ser hundirse más o renacer.
Por fortuna, fue el segundo, y de ello nació un disco que ya no solamente redefinió el hip hop, sino también de la música en general. El universo sonoro de My Beautiful Dark Twisted Fantasy cuenta con algunas de las composiciones más ambiciosas y magistrales en la carrera de Kanye West, y, sin exagerar, del hip hop en general.
Dark Fantasy abre el álbum pintando un paisaje sonoro de renacimiento, tanto musical como personal. La narración inicial de Nicki Minaj prepara el terreno antes de que el beat caiga con fuerza. Kanye reflexiona de manera bastante sincera sobre el exceso, la fama, el ego y las contradicciones, con una estructura rítmica fluida y una producción que mezcla coros, arreglos soul y percusiones limpias. Una introducción que marca desde el principio la ambición del álbum, la cual oscila entre lo grandioso y lo introspectivo.
Gorgeous es una declaración crítica y elegante, pues su guitarra áspera y el ritmo sombrío enmarcan un comentario directo sobre cuestiones raciales, poder y percepción pública. West rapea con una claridad feroz, articulando frustraciones y contradicciones que, lejos de sonar vacías, se vuelven parte integral del paisaje emocional del álbum. El equilibrio perfecto entre mensaje, música y habilidad lírica.
Power es un himno que examina la fama, el resentimiento y la autocrítica, no solo destaca por su poderoso sample de “21st Century Schizoid Man”, sino también por su energía, su mezcla de voces y coros africanos, así como una estructura hipnótica. Kanye alterna autorreflexión con provocación, y reconoce sus excesos mientras expone la, al parecer, inevitable relación entre fama, poder y destrucción personal. Una pieza que se siente inmensa, calculada y emocionalmente cargada, la cual reafirma la capacidad del artista para transformar la crisis en arte.
All of the Lights, por su parte, es un estallido grandioso, una pieza que se siente diseñada para sonar a todo volumen. La introducción orquestal, las trompetas brillantes y la batería explosiva crean una atmósfera de epicidad. Kanye, quien más que cantante ha tomado el papel de director orquestal en este álbum, articula un relato de fama, caos personal y búsqueda de redención, mientras las voces de Rihanna, Fergie, Alicia Keys, Kid Cudi y Elton John agregan una textura coral que amplifica su dramatismo. Cada capa instrumental está meticulosamente colocada, creando una canción que mezcla espectáculo y vulnerabilidad sin perder impacto.
Finalmente, Runaway es quizá la parte más sincera y vulnerable del álbum: un piano minimalista que se convierte en una confesión musical. La canción es un reconocimiento doloroso de fallas personales. West expone su tendencia al autosabotaje, su distancia emocional y la fragilidad escondida detrás de su figura pública. El uso del vocoder en outro simboliza esa distorsión entre lo que uno es capaz de sentir y mostrar, contra lo que los demás ven y escuchan, logrando uno de los cierres más emotivos y vulnerables de cualquier canción en su catálogo. Es un momento donde la honestidad y el dolor se vuelven audibles.
Una obra que no envejece
Quince años después, My Beautiful Dark Twisted Fantasy sigue siendo un punto de referencia. En 2010, Kanye West cambió las reglas del juego, de nuevo. Demostró que un álbum podía funcionar como un universo propio, que un artista podía convertir su crisis en una obra que mezclara ambición, vulnerabilidad y una producción imposible de imitar.
Desde entonces, cada músico que ha tratado de seguir su camino sin éxito termina chocando con la misma realidad: ese nivel no se alcanza por accidente. Requiere visión, riesgo y una claridad creativa que rara vez coinciden en un mismo momento.
